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Dec 06, 2023

Buffalo gestaltet sein Museum nach seinem eigenen Bild neu

Werbung Unterstützt von: Mit einer renommierten Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst hat sich das Buffalo AKG Art Museum bei einer 230 Millionen US-Dollar teuren Umgestaltung die lokalen Belange zu Herzen genommen. Von Hilarie M.

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Mit einer renommierten Sammlung moderner und zeitgenössischer Kunst hat sich das Buffalo AKG Art Museum bei einer 230 Millionen US-Dollar teuren Umgestaltung die lokalen Belange zu Herzen genommen.

Von Hilarie M. Sheets

Dieser Artikel ist Teil unseres Sonderteils „Museen“ darüber, wie Kunstinstitutionen neue Künstler erreichen und ein neues Publikum anziehen.

BUFFALO – Nach dreieinhalb Jahren und 230 Millionen US-Dollar steht hier die Eröffnung eines umgestalteten Museums bevor, in der Hoffnung, dass es den Erwartungen einer Bevölkerung gerecht wird, die ganz anders ist als die, die das Original vor mehr als 160 Jahren begrüßte.

Die 1862 von Künstlern und sogenannten „Buffalo-Boostern“ gegründete Institution namens Albright-Knox Art Gallery wurde in Buffalo AKG Art Museum umbenannt und von Shohei Shigematsu vom Architekturbüro OMA erweitert und renoviert. Es ist geplant, die Öffentlichkeit ab dem 12. Juni willkommen zu heißen.

Seit dem Erhalt ihres ersten Gemäldes im Jahr 1863, einer vom Künstler gestifteten Landschaft des Hudson-River-Malers Albert Bierstadt, hat die Institution frühzeitig Werke von Henry Moore, Joan Miró, Mark Rothko, Frida Kahlo, Willem de Kooning, Marisol und Andy erworben Warhol und Mark Bradford trugen unter anderem eine moderne und zeitgenössische Sammlung von internationalem Ruf zusammen.

Doch viele Einwohner von Buffalo waren zwar stolz auf den Ruf des Museums, hatten aber auch „das Gefühl, es sei eine elitäre Institution und nicht ihr Platz“, sagte Janne Sirén, der Direktor des Museums. Das hörte er während zweier Jahre umfangreicher Bürgerversammlungen, die er mit seinen Mitarbeitern und Herrn Shigematsu abhielt, um Anregungen zu den Wünschen der Gemeinde im erweiterten Museum einzuholen.

„Die Stadt ist sehr zufrieden mit der Art und Weise, wie das Museum dies angegangen ist“, sagte Buffalos Bürgermeister Byron Brown und fügte hinzu, dass die Führung des Museums darauf bedacht sei, „sicherzustellen, dass alle Teile unserer vielfältigen Bevölkerung im neuen Gebäude gehört und berücksichtigt werden“.

Das Ergebnis ist ein weitaus besser zugänglicher Campus. Das neue Galeriegebäude mit einer Ganzglasfassade sowie Änderungen am bestehenden neoklassizistischen Gebäude von 1905 von EB Green und der modernistische Anbau von Gordon Bunshaft aus dem Jahr 1962 zielen alle darauf ab, Barrieren zwischen Innen und Außen abzubauen.

Obwohl er an den Rand des von Frederick Law Olmsted entworfenen Delaware Parks angrenzte, „war der bestehende Komplex so nach innen gerichtet“, sagte Herr Shigematsu. Er positionierte sein transparentes zeitgenössisches Gebäude auf dem ehemaligen Parkplatz des Museums – jetzt unterirdisch – und schuf als willkommene Geste einen neuen Rasen davor.

„Unser Entwurf stellt wirklich die Idee wieder her, dass sich dieses Museum im Park befindet“, sagte Herr Shigematsu, der seine neue Struktur mit einem Ende des ursprünglichen Gebäudes durch eine schlangenförmige Glasbrücke verbunden hat, die zwischen Eichen schwebt und wechselnde Ausblicke auf den Park bietet Campus, Park und Stadt.

Im Jahr 1962 überbrückte Herr Bunshaft seinen schwarzen Glasanbau am anderen Ende des großen Säulengebäudes von 1905 mit glatten weißen Marmorwänden und schuf so einen offenen Skulpturenhof im Innenbereich zwischen den beiden Gebäuden mit nur einem einzigen Eingang zum gesamten Museum in dieser Mitte.

Dieser 6.000 Quadratmeter große Innenhof sei „ein wunderbarer Gedanke“, sagte Herr Sirén, aber in einer Stadt, die regelmäßig von Schneestürmen heimgesucht wird, jedes Jahr monatelang unbenutzbar. Er beauftragte Olafur Eliasson und Sebastian Behmann mit der Schaffung eines Kunstwerks, das gleichzeitig als Dach dienen und den Raum in den Stadtplatz des Campus verwandeln sollte.

Ihr Baldachin aus ineinandergreifenden Glas- und Spiegeldreiecken namens „Common Sky“, der sich aus einem außermittigen Trichter erhebt und dem sanften Anschwellen einer Schneewehe nachempfunden ist, bietet lebendige Ausblicke auf die Architektur und Natur draußen und ein dramatisches Licht- und Schattenspiel im Inneren. Bei Regen und Schnee sammelt der Trichter die Elemente und verfügt über ein ausgeklügeltes Entwässerungssystem am Boden.

„Ich sehe die Arbeit, die Sebastian und ich gemacht haben, im größeren Kontext des Museums, das sich im Wesentlichen von innen nach außen dreht, um zugänglicher und nicht wie eine Festung zu wirken“, sagte Herr Eliasson.

Mit einem neuen Eingang direkt gegenüber der Eingangstür von 1962 können Besucher auf ihrem Weg zum Park durch „Common Sky“ gehen oder dort bleiben, um Musik, Aufführungen und andere Programme zu genießen, die in Zusammenarbeit mit einem Gemeindebeirat für den Raum entwickelt werden.

Der Eintritt in „Common Sky“ und in das gesamte Gebäude aus dem Jahr 1962, das mit fünf neuen Studio-Klassenzimmern, einer 2.000 Quadratmeter großen Galerie und seinem ursprünglichen Auditorium ausgestattet ist, ist frei.

An eine Seite des Stadtplatzes grenzt der neue „Creative Commons“-Bereich mit interaktiven Stationen für kreatives Spielen, die unter Anleitung der Lego Foundation im Rahmen ihrer ersten Partnerschaft mit einem Kunstmuseum entworfen wurden.

„Es ist eine Gelegenheit, zu versuchen, neu zu definieren, was ein Museum sein kann, und es als spielerisches Erlebnis zu betrachten“, sagte Charlie Garling, Direktor für Lernen und Kreativität des Museums.

Für die Wand, die das neue Restaurant Cornelia auf der anderen Seite des Stadtplatzes überspannt, hat die Künstlerin Firelei Báez ein 30 Fuß großes Mosaik angefertigt, das einen afrofuturistischen Mythos über Frauen darstellt, die in der Mittleren Passage, dem Seeabschnitt des Sklavenhandels, über Bord geworfen wurden , gedeiht in einer Unterwasserkultur.

Ein weiterer ortsspezifischer Auftrag stammt von Miriam Bäckström, die einen unterirdischen Raum, der den Parkplatz mit dem Treppenhaus des neuen Gebäudes verbindet, in etwas Himmlisches verwandelt hat. Ihr gewebter Wandteppich mit einer Abstraktion konzentrischer Kreise, eingebettet in die Krümmung der Architektur, vermittelt eine Illusion des Unendlichen.

Angesichts der Geschichte des Museums mit lebenden Künstlern „wäre es eine verpasste Chance gewesen, wenn wir einige zeitgenössische Stimmen nicht wirklich in den Raum selbst integriert hätten“, sagte die Chefkuratorin Cathleen Chaffee. „Wir möchten, dass die Leute schon bei ihrer Ankunft das Gefühl haben, ein Kunstwerk zu betreten, und nicht zehn Minuten warten müssen, bis sie ihren Mantel kontrollieren und ihr Ticket bekommen“, sagte sie.

In den Ausstellungsräumen, deren Fläche nun auf 50.000 Quadratmeter verdoppelt ist, werden etwa 400 Werke aus der Sammlung chronologisch ausgestellt, beginnend im neoklassizistischen Gebäude (mit einem neuen Dach und warmer roter Eiche anstelle des rissigen Marmorbodens) und dann durch die drei Stockwerke des Gebäudes das neue Gebäude (benannt nach dem Finanzier Jeffrey E. Gundlach, der 65 Millionen US-Dollar zur Kapitalkampagne beisteuerte).

Vier Galerien beleuchten die historische Beziehung des Museums zum Maler des abstrakten Expressionismus Clyfford Still und zeigen alle 33 hoch aufragenden Gemälde von ihm in der Sammlung. Eine angrenzende Galerie mit doppelter Höhe zeigt zeitgenössische Künstler, die eine Affinität zu Still haben, darunter Joe Bradley, Sterling Ruby, Stanley Whitney und Harold Ancart.

Ein weiteres Highlight ist eine immersive Mehrkanal-Videoinstallation von Lap-See Lam, ein Schattenspiel, das vom chinesischen Restaurant ihrer Familie in Schweden und dem US-Museumsdebüt der Künstlerin inspiriert ist.

Sogar Leute, die gerade am Campus vorbeifahren, können Werke von Alexander Calder, Robert Irwin, Ursula von Rydingsvard und Lawrence Weiner und anderen sehen, die durch die Glasfassade auf der Skulpturenterrasse im zweiten Stock gut sichtbar sind und den internen Galeriekubus für zeitgenössische Kunst umgeben Gebäude. „Das Gundlach-Gebäude sieht so aus, wie es aussieht, weil die Gemeinde es wollte“, sagte Herr Sirén und betonte seine Porosität.

„Ich glaube nicht, dass wir dieses Geld hätten aufbringen können“, fügte Herr Sirén hinzu, „wenn wir unsere Gemeinschaft nicht einbezogen und authentisch vorgegangen wären.“

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